hello大家好，今天来给您讲解有关陆严少书法，陆林深书法的相关知识，希望可以帮助到您，解决大家的一些困惑，下面一起来看看吧！
陆严少书法，陆林深书法
书法，是中华民族独创的艺术形式，也是中华文化的重要组成部分。而在中国的书法界，陆严少和陆林深被誉为当代书法界的双璧，他们以独特的个人风格和卓越的艺术造诣，为中国书法注入了新的活力和创造力。
陆严少，字彦丰，浙江金华人。他自幼酷爱书法，勤奋钻研，从中受到了古人的熏陶和启发。他的书法风格继承了汉魏六朝的笔意，继承了贲先生的瘦金体，糅合了赵先生的气韵。他笔下的字，秀丽疏朗，端庄大气，洒脱自然，给人以清新淡雅之感。他善于运用线条，使得字体具有了独特的韵味与张力。他的作品“行书墨”，展现出了他对传统文化的热爱和对自然美的追求。
陆林深，字培豪，江苏扬州人。他独创“米体”，以及“人果角”，打破了传统的字体规范，创造出了一种独具特色的书法风格。他的字体犹如生长在大地上的小草，细腻而有力，有着浓厚的生命力和独特的艺术张力。他的作品“草书手卷”，以其别具一格的风格和独特的审美观念，引发了人们对书法的全新思考。
陆严少和陆林深是当代书法界的佼佼者，他们不仅有着深厚的书法功底，还积极参与各种书法活动和研究。他们多次在国内外的书法展览上获奖，并被邀请在各种学术研讨会上发表演讲。他们的作品被中国美术馆、中国书法博物馆等重要机构收藏。他们以自己的实际行动，为中国书法事业的发展做出了重要贡献。
陆严少书法，陆林深书法，他们以其独特的艺术风格和扎实的艺术功底，为中国书法注入了新的活力和创造力。他们的作品不仅是中国传统文化的重要组成部分，更是对人类文明发展的宝贵财富。希望他们能继续努力，为中国书法的传承和发展做出更大的贡献。
陆严少书法，陆林深书法
书法是中国特有的一种传统艺术,是指用毛笔书写汉字的方法和规律。不少学校有开设书法课程，目的就是为了从小培养学生练习书法写字。下面我带给大家的是学生毛笔书法作品，希望你们喜欢。 学生毛笔书法作品欣赏 学生毛笔书法作品图片1学生毛笔书法作品图片2学生毛笔书法作品图片3学生毛笔书法作品图片4学生毛笔书法作品图片5 毛笔书法临帖的四字秘诀和十大临帖技巧 在选好自己喜欢的字帖后，接下来就是照着字帖去临帖，究竟如何临帖呢?怎样临帖才是正确的呢?今天我们一起来看看，这些临帖的技巧可以帮大家树立一个正确的临帖认知以及培养良好的临帖习惯。 1、静 包括人静心静，临帖前，须端正坐姿，腰自然伸直，膝与肩同宽，身离桌一拳头，这样血脉通畅，清气上升，浊气下沉，精神饱满，神闲气定，心无杂念。这是练习书法第一要领，也许书法有健身功效也与此有关。 2、近 是指把字帖尽量放到离下笔处最近的位置，这样才能看清笔画轻重及位置，还便于临写的字与字帖对照，及时发现问题，初学者应强调形似再追求神似，不要以临得不似而强说自己是意临。 3、慢 就是临写速度要慢，这个慢是相对而言的，写得慢才能写得似，初学者应放慢速度临写，但要注意慢而不滞，等熟练之后再适当加快速度。 4、准 即笔画粗细、位置准确。这点须在前面三个条件下才能做到的，初学者须先达到形似之后逐步掌握书家书体特点，掌握规律，每个笔画的轻重长短、结构疏密的比例应与字帖一致。(建议临写的字与字帖中的字大小接近) 一、临帖是在临什么 我们入门学古人的时候，就是把古人的规矩摆在了桌面上，临帖就是学规矩，而不是别的。 在临帖中你要弄点轻重、虚实、浓淡、正欹出来，这些都是微观变化，是情绪化的东西，而宏观的东西不能没有，这是关键，否则就没有从理上去处理它，让人一看就不合规矩。因此外形的东西从理，也就是说，字的外形、结构、笔画的位置等从理，从字理，即中国汉字的字理，反映的是规则和法度;而笔则从书，反映的是趣和味。 这是两个原则。外部形态的东西是一目了然的，合不合规矩一看便知;用笔则是书法本体的东西，粗细，放收，快慢，墨的浓淡，都是书法本身要求，决定字的味道，用笔不同决定趣味不同，而字形结构是理性要求，是中国汉字的形体美要求，必须严谨，无论行书还是隶书，这是书法的基础，这是两个不同的原则，临帖就是在学习这种理法和原则。 二、目前的训练你要干什么 如何去临。无论哪种帖子，拿来后你不管如何取舍，训练时要针对你所取的东西，形成一种科学的训练模式，要有目的性，用研究分析的方法，去反复实验、继承与巩固。笔画不能单一化，简单化，不能单薄干枯，要立体圆润生动，这就要求你找出同一笔画无数种不同写法，加以对比模仿融合提炼，在对比中找出共性与个性，找出同一笔画的不同形态与表现手法。创作时把碑上的字形拿过来，用不同的手法去表现，也就是用古人的字形，但不一定用他的手法，创作中手法决定风格，手法变了风格也就变了，而手法是非常多的，张迁、鲜于潢相类是一种，礼器是一种，而曹全又是一种，创作时把它们用于同一张作品中，那你就是大腕。训练时像这样有目的的去一个个的解决问题，那么三年、五年、十年甚至二十年都没人能追得上你。训练就是要有思想性、要有目的性的进行取舍。 要想比别人取得更大的成绩，你必须有不同于别人的思想，在这种不同思想和理念的前提下，再选一个不同于别人的方法，确定一个科学的训练模式，然后你才会有不同于别人的结果。也就是在用脑子写字而不是用手。另一方面，我们还要分析自己的症结所在，头痛治头，但如果是由脚气引起的头痛，就应先把脚气治好，对症下药，比如说你们学草书的，应该先学行书，通过行书练技法，使转、提按、收放、笔画之间呼应、上下字的连带关系等等，练好之后，草书就只是个草法问题了。草书严格讲不是学来的，因为从它生成的原始状态看就是一种极度情绪化的东西，由行书提练字形、用笔和手法，是一条正路，这是个方法问题。 三、写字不在于多而在于对，不在于法而在于理，要过单字关，不能只抄帖。 行书的技法是上一笔管着下一笔，下一笔接着上一笔，你的写法是这个不管那个，那个不管这个。行书的上一笔是下一笔的起笔，下一笔是上一笔的收笔，行书在笔画上已经把楷书一笔一画的概念破坏了，可能是三个或五个笔画变成了一个笔画，每一个笔画之间都有内在的联系，相互管着，写字不在于多而在于对，不在于法而在于理，你写得行书理不对，法上才出了问题。 草书更是如此，比如这幅《书谱》的临作，他的临帖的思路、观察力以及把握帖的能力都很高，但不是很熟练，学草书时要注意草法，特别是一些典型符号的练习，一定要强化练习，专门练习，一个符号半个小时应能解决、吃透，能用后半生，何乐而不为，但书写时要注意变得自然而不是疆硬。 还有一个现象，临帖者往往追求数量，对一个帖，不停的重复临摹，而不去动脑筋想，形成抄帖，这样很难进步。一些夸张的用笔一定要去掉，那是他的个性所在，像这种夸张显得很空，不学。每一个字要熟练，先向象里写，再往熟练写，再背临，要学会过单字关，不能只抄帖。你现在要换一种方式，一个字写五、六遍即可，照着写两遍，一定要往像里写，然后找感觉，比如背着写，看能否再进行用笔的动作训练，从速度、虚实、比例等方面提炼着去写，有针对性、有目的的去训练，把每一个字都写透它，也就是从生到熟到背到各种转换，不断提炼，最后放开去怎么写都高级。 四、核心的东西是永远不变的 书法核心的东西是永远不变的，字再怎么写，关键的部位要控制住，关键部位之外的夸张你不用管他，要靠中间部分来决定中国方块字，任何一个都是这样。凡是夸张的笔画都不是受控制的，不规矩的和不受限制的，古人字形的变化是哪儿来的，实际上是允许夸张的笔画夸张程度的不同引领了风格的不同，同样是在方块中，不同的碑、不同的帖都有一个共同的规律，就是形式美感，其共性部分基本的结构是死的，而只有细微地方的变化，这是一个原则，方块内的不动，而决定字的风格的就是那些可以细微变化的地方夸张的不同，这是一个基本规律。 有的字为什么老写不好，就是内在的笔画没有写好，内在的部位可以粗细不一样，大小不一样，但都必须摆匀它，你可以夸大或缩小比例，但必须写匀，要求趣味和变化，必须先有这个理，掌握了这个理再去变化，比如这个“张”字，我们画一个方块，方块内的部位是核心部分，是不变的，把“弓”和“长”的某些笔画在方块内部变一下，增加些趣味，不就变成张迁或是鲜于潢了吗，如果“弓”的第二笔横画和第三笔的弯钩向左夸张一些，再把“长”的横画和捺向右夸张舒展一些，这不就成了礼器或者是曹全了吗，以此类推，其它字也是这个道理。临帖方法要变，观察的方法要变，思路要变，训练的模式也要变。 五、要学会意临。创作时要活学活用 写对联字写得这么大，笔画要加粗，原帖上的笔画粗细是如此，但你把字夸大了五倍、十倍，而只把笔画夸大了两倍甚至不变，这不行，搞创作要活学活用，创作时要有一些调整，比如这个“画”字，上边轻，中间加粗，然后下边要突出礼器碑的风格，这样才行。 你的临帖中缺少一个意临的过程，照着写要往像里写，背着写要往熟里写，然后再照着写时往不像里写，虽然不像但怎么看还都像，然后再怎么看还都不像，在似与不似之间。我们在消化古人的时候，这种像与不像就不是一个表面的像与不像，而是一个精神和原则的像与不像。也就是说你缺乏一个环节，临帖时没去进行意临消化，这个消化也有个方法，比如说这个“胶”字，临熟了之后你就去消化它，比如在虚实、浓淡、趣味上增加，你看，写完了，像么，绝对不像，不像它具体的每一个笔画，但是美感还是它，不管你如何去变，只要这里用点去处理了，都还是它。这种不像是微观的，像是宏观的。一定要弄懂原理，直接照搬古人没用，照搬古人是没脑子，你只是古人的手不行，你得是古人的脑子才行。要站在古人的基础上去把古人的原则借鉴过来，原则、方法、标准、规律、基本技法等借鉴过来以后，你自己要做一个加工厂，要思索、研究、试验，而科学的试验、合理的试验，才能是有效的试验，这样用在创作上才行。 六、不要把字工艺化、模式化，要恢复它的自然状态 古人写字不是在搞创作，传统文化是按儒家学说走的，儒家推崇礼，说话办事要有分寸，走路要有姿势，干什么都要行个礼、讲个法，那叫一种制约，封建统治就是由统治者确定的那种制约太多，而且中国书法的发展从来就没离开过统治者的意识，所以南北朝统治者多，魏碑就五花八门，皇帝推崇王羲之，1700多年来人们都知道王羲之的字好，这都是以统治者的意识为转移的，它追求的美是什么美呢，不是追求怪异的美，而是端庄的、和谐的美，端庄的美就是站有站像，坐有坐像，庄严、肃穆，和谐的美就是虚实轻重等书法的所有变化都在阴阳的学说当中，和谐来自阴阳的协调。阴阳的协调是书法的味道，而端庄、严谨是正大气象，是书法核心的东西。 为什么很多人搞书法不能成家，就是他们认为搞书法是自己的事，“我就这么写，只要我觉得好愿意咋写就咋写”，其实，人写字如果写到没想法了，全是古人了就高尚了，因此书法是个大文化。张迁碑的趣味是在字形上，在好玩上，在笔画位置的错落上的变化，不是笔势上的变化，而是字形结构上的变化，是比例上的破坏和笔画位置上的破坏，而不是笔势上的事，曹全是笔势上的而张迁不是。弄清这点，在写的时候就要把这种自然状态还原。 曹全碑 隶书本来修饰美感就强，没有必要再去增强这种形式美感，不然就会把字工艺化、模式化。隶书的高级程度应是把形式美感弱化，而不是强化这种形式美感，要完全变成一种自然的书写状态，增加用笔在纸上的平缓，在平缓的同时增加弹性，就像音乐一样，有快慢、缓急、轻重、强弱。当今书家多是在用一种模式书写，这最麻烦，可能一时出彩，但这种出彩三年也维持不了，就是只注重形式美感，模式化了。像鲜于潢，碑阴变化变得越来越纯朴，越来越单纯，什么是朴实，就是直来直去，就是简单，简单得没想法，这种朴实咋一看没想法，而你如果去联想，想法可又就多了。真正的艺术有两种状态：一种是成熟状态，成熟状态完全是理性的、规则的、法度的;另一种就是非理性的，艺术发展到没成熟，有法式但不严谨，就像小孩走路，他还走不利索，但是他走那几步特可爱。 我们现在就追求艺术的理性的、严谨的、规则的东西，他作为一种规范性，规定着本体的属性，像正大、端庄、肃穆。但艺术半生不熟的劲和不加修饰这种劲，是艺术的趣味、境界、味道。两岁的小孩做一个动作成熟吗，不成熟，他说话，主次混乱说不清楚，但你就觉得他那个动作和说得话有味道，好玩，可爱，这就是你追求的由不成熟、稚气所反映出的一种东西。我们的眼不能老盯着当代书家，而应多临帖，从碑帖中去寻找和恢复其自然状态，像高密出土的《孙仲隐碑》，虽然说规模小一些，但内容朴实以及它那可爱劲，在汉碑当中是高级的。 高密出土的《孙仲隐墓志》 清人隶书，最大的贡献就是把碑的刻字变成了墨迹，把刻出来的字变成写出来的字了，书写性本身就是一种还原途径，这是清人唯一的东西，再一个，像郑谷口的机灵劲、陈洪授的放浪劲、邓石如的平和劲，赵之谦的结实劲，俞曲园的温润劲等趣味性的东西都可学，但真正的法则还要学汉，字法还是得从汉碑中来，也就是最终的原则把握还是要学古。 七、碑阴与碑阳-趣味与法度的互补 汉碑分碑阳和碑阴，其背景知识对我们读帖和临帖有很大帮助，帖上的东西你要会看，碑阳是正文，是给别人看的，碑阴则是说明，古代人刻碑永远都是正面规范、严谨，而背面随意、没那么多限制，对外的碑阳是规矩的，到阴面时就不讲究。 东汉《鲜于璜碑》的碑阳 碑阳面写正文，碑阴面则是一种说明，比如谁出的钱，谁刻的字等;还一种是正文写不下就往碑阴写，像礼器碑，字太多连碑的侧面也用上了。碑阴一般都是韵文，四字韵文，读起来朗朗上口。同时对刻工来说也是一种体例，汉印从刀法上有两种，一是严谨的，还有一种是急就的，如将军印，临时定的，必须马上凿出来，不加修饰，形成急就印。 碑阳的正文讲究，刻工刻得也讲究，到了碑阴，写得不讲究，他刻得也不讲究，写得随意刻得也随意，这种讲究与随意也反映的是一种刀法。要把碑阳的东西方当成规范、法度，把碑阴的奇趣当成变化的手法，研究学习碑阳时是为了取法学成规矩，其笔法的严谨、讲究、细腻，起笔、行笔、收笔等规范度都是碑的极致，而学趣味一般学碑阴。前边法度严、趣味差，死板，后边法度差、趣味妙，两者正好互补。碑阳的规则法度虽然死板，但他也告诉你一种变化意识，这种意识虽然不如碑阴显得活泼、轻灵，却可用碑阴的起收笔的状态去改变碑阳里的那种状态，用后面意的东西去化前面法的死板。而一味的夸张，一味的加粗，其实不是变化，只是让人看到我们思路上的一种混乱和模糊。当你理解了这些，就会在临帖时学到碑阳的严谨法度，规范技法，又会学到碑阴的率性个性，艺术趣味，两者结合使作品庄重而不呆板，轻灵而不轻浮。 八、临帖上不能出问题，创作上永远都保持一种向上的状态 继承与创作，临帖就是在继承，能消化的去临，有目的、有思想的去临，临完了那就是古人的第二次创作。有点成就的那些中青年书家，为什么三年、五年就没了，他用功的时候，夹着尾巴做人，开始投稿的时候，甚至能找八百个人看，请教，好歹上了一次、两次，自己成了，再投稿时也不找人看了，然后自己的习惯手法也出来了，按自己的习惯去写，古法就少了，再写古法更少了，习惯更多了，再写古法基本上没了，全剩下自己了，然后怎么投稿也上不去了，到了明天就开始骂街了。书法界连续五年获奖的，连续五年站在创作前头的这样的人相当少，基本上是三、四年就没了，能坚持十年，创作上每次都上，这样的人极少。 二十多年以来，八十年代成名的书家留到现在创作上依然站在前列的有几个?一巴掌也不够;九十年代成名的书家留到现在的，你能数上十个算不错了，为什么?都是在临帖上出了问题。中国历史上的艺术家，先不说艺术大师，只要是在历史上能留下的艺术家，必须具备三个条件：一是从出道开始一直到死在创作上永远都是一种向上的状态;二是他所有的创作，包括个性的张扬和他自己面貌的形成都是建立在传统基础上的一种升华，而不是破坏了传统的模式;三是所有的艺术家都是有思想的，不是玩字体的，而是玩思想玩理念的。 如果要成为大师，那还是要有见地的，有身份的，在书法界、艺术界始终都是最活跃的，而且是对全国乃至全世界的艺术发展有重大影响的人物，那就是准大师，而且从一出道开始一直到老始终处在艺术发展的风头浪尖上，他是风云人物，引领着创作一辈子，再加上社会地位，独到的理论，而且他的思想、理念永远在别人前头，像张大千、齐白石、李可染、陆严少、黄宾虹，哪个大师不是这样。要用规则武装头脑，要用一种信念去科学的分析、科学的训练和该取的取，该舍的舍，要有目标。别人弄过的咱会了，别人没弄过的咱永远不去想，不行;你要弄出个别人没弄过的，让他老跟着你跑才行。 九、通过学习去理解法和意的东西，从而获得一种原则 对米芾的临习，看米芾的这个“奉”字，从方向上，第一笔稍微往上去，第二笔往下来，第三笔又往上去，这三个笔画的运行正好是三个不同的方向，方向上互相交叉，这是笔的运动方向，那它是否就是单纯的往上或者是往下呢，还不完全是，往上的同时还有点往下阖和感觉，是裹着笔的，三个笔画都是如此，所以它把这三个运动方向里面又增加了内在的东西，总体往上还往下，总体往下还有点往上，每一笔都较着劲，就像我拉你过来，你不得不过来但还不想过来，绷着劲，这就是由笔画的限形产生的弹性，一种力度。 前者往哪个方向行笔反映的是方向知识，而后者“绷或拧”的裹笔反映的是内在的一种劲，什么叫作合理，一个是把笔的方向写出来了，一是把这种劲写出来了，弹力和势写出来了，也就把意写出来了，至于长短宽窄不是主要因素。这是一种技法要求，而这种技法告诉你的不仅是一种运动状态，更是一种生命状态，要把字写活，写出一种生命状态，是一种活的东西，喘气的东西。如是，只要把这种笔势写出来了，怎么写都是米芾，为什么，就是它用笔和习惯、用笔的手法、曲直的控制、还有这种笔势，整个和米是一致的;而如果换一种手法，比如这个地方是夸张的，这个地方也是裹着的，这就不是米而是颜了，即便是颜，那么它与米有没有关系?只不过颜这种裹着笔的东西多，而米裹的东西少而已。 颜的风格是圆转笔法、篆籀笔法多于米，而米的圆转少而且更加含蓄，他更多的是一种霹雳啪啦的折笔和切笔等，所以颜的字内含、圆润得多，而米则是劲捷和峭拔得多，艺术的风格是靠笔法决定的，在某一方面稍微一夸张就成了颜了，把某一方面稍微一强化就成了米了，它是一种笔势的改变，我们应特别关注这个势字，就能把意表达出来，也就是把它的结构原则用上，又在你笔下得到一种强化。 我们在学习真正关注的不是技法，而是关注它的理念、理法和原则，我们临帖不是拿起笔就抄，甚至于还哼着小曲，这样你能写好吗?我们所有人写字上的差距是怎么产生的，那就是写得特别好的人他绝对是研究它的专家，不断的进行研究、分析、试验、归纳，再试验、再是在通过字形结构，包括笔势、字势等的研究去获得一个原则，这才是真正意义上的临帖，而不像有些人所谓的临帖只是抄了一遍内容，其它的要素与帖一点关系也没有。现在临帖的点不对，感觉写得像的时候老师不一定说好，写得不像的时候老师不一定说不好，这是为什么，就是因为好坏关键不在于像与不橡，而在于合不合理。 十、神采为上的关键--由动态的势去把握字的生命状态 对势的重要性，临帖不是要你临的多像，而是取其外在的态势与内在的品格，技法告诉你的不仅是运动状态，而且是一种生命状态。对于书法，明眼人特别注重势，也就是运动状态的把握，民间写字，一般都是看字形、结构，而从专业上讲，则不是关注其字形结构而主要是关注字势和笔势。 王羲之《兰亭序》笔势委婉含蓄，遒美健秀，后人评曰:“飘若游云,矫若惊蛇”势，主要是说一种劲或架势，一定是一种运动状态，人有某种劲或架势，它反映了人的某种心态，字有某种劲或架势则反映了这个字的神采，表象反映出一种运动状态，却告诉你一个内心的东西，同时也就给某一笔画或某一个字赋予了一种品格。这也就是要把字写活，写出一种生命状态，喘着气动起来，比如米芾的这个:“胜”字，左低右高，这三个竖着的笔画，不是直上直下，不是垂直而是斜一点，总体有种上蹿的感觉，而且还带着横势，只要把这个意思写出来了，字势掌握了，运动状态掌握了，就可以放开写了，怎么写都行，只要字势出来了，别人一看就知道是米芾。米芾就是善于营造一种险势，每一个笔画都动起来，还较着劲，特别有味道。因此要通过这种字势和笔势的关注，去把握字的运动状态和生命状态，表现出特有的神采。 十一、王羲之的贡献-给中国人用毛笔写字提供了一个审美空间 王羲之行书的临写，书写用的毛笔笔锋太长太硬，古人在明以前无长毫，经典的帖基本上都是在宋以前，宋以前第一无长锋，第二无羊毫。写王羲之，一是笔要硬，再就是写出来要温润、典雅，也就是含蓄劲。王羲之的主要贡献，是给中国人用毛笔写字提供了一个审美空间，就是注入了一种文化气息，也就是每一个笔画、每一个字都带着一种文化理念在里面。受限制的书写，都是一种理性的书写，都是一种有思想的书写，王羲之的贡献是这个而说不是他给后人留下了一个《兰亭序》或是其他碑帖，他不是一门技术，它是一门理论。学王羲之，首先要把握他的书法特征、书法理论、书法法则，这也是所有学书法的人你都不能绕过他的原因，不管什么情况你都要从王羲之那走走，因为你不学王羲之，最终得不到字的典雅，得不到文气。
陆俨少书法多少一平尺
10000——50000一平尺。
陆俨少（1909年－1993年），现代画家。又名砥，字宛若，上海嘉定县南翔镇人。1926年考入无锡美术专科学校，1927年考入无锡美专学习，同年从王同愈学习诗文、书法；次年师从冯超然学画，并结识吴湖帆，遍游南北胜地。1956年任上海中国画院画师。1962年起兼课于浙江美术学院，1980年在该院正式执教，并任浙江画院院长。擅画山水，尤善于发挥用笔效能，以笔尖、笔肚、笔根等的不同运用来表现自然山川的不同变化。线条疏秀流畅，刚柔相济。云水为其绝诣，有雄秀跌宕之概。勾云勾水，烟波浩淼，云蒸雾霭，变化无穷，并创大块留白、墨块之法。兼作人物、花卉，书法亦独创一格。
陆俨少1927年拜冯超然为师，并与吴湖帆相识，在两位先生处，看到不少历代名家真迹。抗日战争期间，陆俨少流寓内地，1946年回归故乡。在此之前，陆俨少的作品大部分是对古代传统的消化和吸收。返乡途径三峡的经历，引发了他的创新意识，开始将以前局部改造传统转换为有意识地建立个人风格。
1956年，任上海中国画院画师。1961年至1966年，赴浙江美术学院兼职山水画教席；在此期间，其绘画个性得以发展，最终在晚年形成了自己独特的风格。
陆俨少书法左拨右拨
陆俨少曾作过浙江省画院的院长，是中国美术学院的教授。从其工作经历来看，他就是个画家。但我们又不能将其简单地限定在画家身份上。陆俨少一是陆俨少在绘画上，是具有开创之功的，他的画作无论是构图，还是用笔，都形成了别具一格的新景，被誉为“陆家山水”。陆俨少尤其擅长以线条体现云气的变动，这主要得自于其对书法线条的锤炼。陆俨少书法陆俨少在书法上的成就，丝毫不亚于其国画造诣。沙孟海曾在一篇文章中说，陆俨少的书与画，皆是一流，古今少见。在相轻成风的文人圈子，得到领域大佬的首肯，足见陆俨少在书法上造诣的不虚。陆俨少书法虽然是个画家，陆俨少却对自己的书法相当自信，他在自己的一个书法手卷上曾题写下这样一段话：
书虽末艺，然能巍然自喜，独立门户，无所依傍，而点画之间，提按转折，舒展恢廓无遗憾，盖旷二三百年，而或无一人焉。
文辞用的文言，却并不难懂，大意就是，书法虽然属于末技小道，但我的书法却别开生面、自成风格，即便是在两三百年之间，也仅有我一人而已。陆俨少书法紧陆俨少还写到：我的书法虽然名气不大，但和古代的大家相比，并不逊色。只可惜，我的书法多为画名掩盖，又因为不常以书法示人，所以知道我书法的人并不多。但不管现在知道我书法的人多不多，我的书法终归会流传下去，可以让后人来考证。
文化史上的狂人不少，但如此狂的人还真不多。可当我们通过作品来看陆俨少在书法上的狂，还真不得不说他的狂，是有资本的。陆俨少书法陆俨少的行草书，点画沉着痛快，使转开合应用自如，极尽变化之所能。在他的笔下，线条或迅疾翻飞，或迟涩凝重，或一波三折，或顺势而下，让人看得痛快、过瘾。
“书画同源”是中国艺术的特色，历史上那些经典的画家，几乎都是书法家。可到了由于国画的学习方式发生了改变，画家学画都是从素描、速写开始，而不是以传统的笔墨、线条切入，所以当代的画家能写好书法的很少见。陆俨少书法同样是画家的陆俨少，真正做到了书画同源、书画相通。在他画中，使用的全是书法的线条，有力度、有质量；在他的书法中，那淋漓的墨气、鼓宕的韵律，却得自于绘画的涵养。
好的艺术家，一定是将所有技能运用到自己的作品中的，而不是强行将各种技能分裂开来。在陆俨少的书法中，我们分明能够看到那种生机勃勃的“烟霞气”，像极了其笔下的山水。陆俨少书法陆俨少曾说自己不临帖，却能自成一格。其实，陆俨少从来没有放松过对书法的研习。陆俨少的一天通常是从磨墨写字开始的，凌晨四点起床，磨墨临帖，魏碑、汉碑以及二王法帖，全都在取法之内。
在陆俨少的书法中，我们也能清晰地看到他对杜牧行书《张好好诗卷》的借鉴。杜牧《张好好诗卷》局部杜牧是诗人，却硬是凭借一卷行书，挤进了人才济济的唐代书法史。他的《张好好诗卷》，结体严峻峻嶒，但笔意蹁跹、灵动活脱，有着极高的格调。
在陆俨少的行草书中，无论是格调还是气韵，将杜牧“才子书”的特质发挥到了极致。历史上直接取法杜牧书法的不多，取法杜牧书法却能写出创意的，怎更是少见。如果评选一位学杜牧书法最佳的，陆俨少无疑可执牛耳。陆俨少书法对于艺术家来说，自信是成功的重要条件，但像陆俨少“二三百年一人而已”的自我评价，也确实是有些过分自大。只其学习古人并能自出心裁的方法，的确能启发后人。
陆林深书法
陆林深，江苏常州人，1949年生，笔名丰草、道旁石，我国一级书法家。世界华人联合会诗书画研究院常务副院长、江苏分院院长，北京巨星艺术学院客座教授，常州作家协会理事。
作品价格大概是3---5万/一平尺 看作品情况而定
陆俨少书法作品欣赏
主——行书、草书、楷书、隶书、篆书；副——甲骨文、金文、石刻文、简帛墨迹。 行书 行书是楷书的快写，相传始于汉末。它不及楷书的工整，也没有草书的草率。代表作最著名的是东晋书法家王羲之的《兰亭序》，前人以“龙跳天门，虎卧凤阁”形容其字雄强俊秀，赞誉为“天下第一行书”。唐颜真卿所书《祭侄稿》，写得劲挺奔放，古人评之为“天下第二行书”。
行书中带有楷书或接近于楷书的称为“行楷”，带有草书或接近草书的则称为“行草”。行楷中著名的代表作品是唐代李邕的《麓山寺碑》，畅达而腴润。还有如宋代苏轼、黄庭坚、米芾，蔡襄，元代的赵孟俯、鲜于枢、康里 ，明代的祝允明、文徵明、董其昌、王铎，清代的何绍基等，都擅长行书或行草，有不少作品传世。
行书介乎楷书与草书之间，它的用笔也兼用楷书的点画和草书的使转。这种兼用不是生硬的套用，而是为着书写的便利和体势的需要而有所选择、有所变化、经过加工提炼的有机结合。因此在表现形态上，近楷者并不完全类同于楷，近草者又往往有异于草，形成了一系列独特的点画形态。就其大体而言，近于楷书的行书(即行楷)，其点画形态主要是因承楷书，但由于书写的速度与节奏比楷书快，笔锋在 点画中不可能有更多的停留时间，下笔收笔、起承转合，大都顺势而为，这就不能不使原有的楷书的点画形态有所改变而自然形成新的用笔特征。近于草书的行书(即行草)，为着保持字形的易识性，则多是借用草书使转用笔的原理和笔势，而具体的作法又与草书有所不同。行书的用笔特点就是这样在楷书和草书之间取舍变化而形成的。 草书 省减、替代。 一般正体字法要求结构部件完整，而草书则可省去很多不太重要的部分部件，有些部件可以以点、线代替。 笔画与笔画之间，结构中各种部件的关系之间，往往有游丝牵连。这种牵连的结果，使草书的结构形态、笔画形态发生变革。正体是直线，草书却是各种曲线，曲线使草书出现了和正体不同的形态。 偏旁部首重新约定，例如在正体中的“言”、“人”，是不同的，而草书中却常常写为同一种符号，这便是草书中合并现象。 楷书楷书又称正书，或称真书。其特点是：形体方正，笔画平直，可作楷模，故名。始于东汉。楷书的名家很多，如“欧体”（欧阳询）、“虞体”（虞世南）、“颜体”（颜真卿）、“柳体”（柳公权）、“赵体”（赵孟頫）等。
一般说来，写小字与写大字是大不相同的，其原则上是：写大字要紧密无间，而写小字必要使其宽绰有余。也就是说：写大字要能做到小字似的精密；而写小字要能做到有大字似的局促，故古人所谓“作大字要如小字，而作小字要如大字。”写小字的重心与笔画的配合，则与大字无大差异。至于运笔，则略有不同。小字运笔要圆润、娟秀、挺拔、整齐；大字要雄壮、厚重。大字下笔时用逆锋（藏锋），收笔时用回锋； 小字下笔时则不必用逆锋，宜用尖锋，收笔时宜用顿笔或提笔。 隶书隶书是书法演变中的重要书体之一。
隶书是从篆书演变而来的，以改变园匀为方折的笔法，改变修长为扁平结构的带波捺的新书体。它是篆与楷之间承先启后具有重要作用的书体。
隶书用笔首先应主意到隶字的基本书写特点，这些特点一般归纳为：字形扁方，左右伸展；左波右磔，蚕头燕尾；曲折方园，点画分明；提顿结合，粗细兼备。去繁就简,字形变圆为方,笔划改曲为直。改"连笔"为"断笔",从线条向笔划,更便于书写,这种书体流行于"徒隶" (下层办公文的小官)之中，故称为隶书。到汉代这种书体开始盛于起来,成为主要书体.隶书的出现是汉字演变史上的一个转折点,奠定了楷书的基础.隶书结体扁平、工整、精巧。到东汉时,撇、捺等点画美化为向上挑起,轻重顿挫富有变化。增强了书法造型艺术的美观,风格也趋多样化,艺术欣赏的价值大大提高. 隶书隶书是最早的一种书体，其笔法比其他书体相对简单。篆书结字富有装饰性。所以说“书法从篆书开始，学习者应当先学篆书。篆书体划严肃，布白严谨，学习篆书可以避免弱、俗、荒、斜的毛病。”
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